DON PASQUALE

Roberto Gianola vanta importanti collaborazioni che lo hanno portato a dirigere orchestre in tutto il mondo: Europa, USA, Centro e Sud America, Russia, Turchia, Egitto, Cina, Corea, Giappone e negli Emirati Arabi. Direttore Musicale del Teatro dell’Opera e Balletto di Istanbul (Istanbul State Opera and Ballet) dove ha debuttato nel febbraio 2015 dirigendo I Racconti di Hoffmann (Offenbach), ne è protagonista sia nel repertorio lirico, in cui è specializzato, che in quello sinfonico e nel balletto. Ospite di grandi sale quali il Musikverein di Vienna, il Lincoln Center e la Carnegie Hall di New York, il Seoul Arts Center, Smetana Hall di Praga ,i teatri di Hong Kong, Pechino e Macao, ha collaborato con prestigiose realtà italiane come la Fondazione Arena di Verona, il Teatro Lirico di Cagliari, il Teatro Verdi di Trieste, il Teatro Regio di Parma, la Sala Verdi di Milano e con orchestre quali l’Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano, i Virtuosi del Teatro alla Scala, i Cameristi del Maggio Musicale Fiorentino, Orchestra Sinfonica Siciliana di Palermo e l'Orchestra Sinfonica di Sanremo. La stagione 2021/2022 vede il suo debutto alla State Opera di Lubiana con Capuleti e Montecchi, la direzione del balletto La bella addormentata Norma e Don Pasquale a Istanbul , Don Pasquale al Teatro Verdi di Trieste, Elisir d'amore al Teatro Lirico di Cagliari , Gianni Schicchi a Livorno, Boheme a Fuerteventura e il ritorno sempre con Boheme in Giappone presso la Kitakyushu City Opera. In veste di direttore artistico ha fondato, sul Lago di Como, la Lake Como Philharmonic Orchestra e la Lake Como Music Academy che, in 20 anni di attività, si sono distinte per l'organizzazione di grandi eventi (opere liriche e concerti), concorsi (canto lirico e direzione d'orchestra) e masterclass di canto lirico. La discografia di Roberto Gianola comprende un CD Stradivarius con l'Orchestra “I Pomeriggi Musicali” di Milano e un CD con musiche di Respighi registrato con l'Orchestra Sinfonica di Sanremo e pubblicato per la rivista “Amadeus”.

Salvatore Sito nasce a Napoli nel 1988. Inizia i suoi studi musicali e teatrali nel 2001 a Bologna con il Soprano Giosiana Pizzardo, il Maestro Fabio Cremonini, vocal coaching e actor coaching con i Maestri Paola Neri, Matteo Setti, Vittorio Matteucci, igiene vocale e tecniche di emissione con il Dott. Franco Fussi. Entra come cantante nell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma nel 2007 e si diploma in Regia per il teatro musicale presso l’Accademia dei Mestieri dell’Opera del Teatro Coccia di Novara con il Maestro Roberto Recchia, frequentando inoltre il corso di secondo livello con la Maestra Deda Cristina Colonna. Inizia giovanissimo la sua carriera di cantante realizzando un lp di 15 brani inediti con il produttore di Miami (USA) William Benedetti ed ottiene numerosi ingaggi come performer di Musical e Operetta. Comincia la sua carriera da regista nel 2009 dirigendo, ad oggi, più di 40 titoli tra musical, opera lirica, lungometraggi e prosa, oltre ad assolvere l’incarico di assistente alla regia per diversi registi e produzioni, tra le quali “La Cenerentola” di G. Rossini con la regia di Teresa Gargano o “Rapimenti d’amore” di Cristian Carrara con la regia di Andrea Chiodi. Sempre nel 2009 inizia la sua carriera di drammaturgo e librettista realizzando, ad oggi, 35 testi teatrali tra i quali 4 traduzioni ritmiche di opere estere in lingua italiana, oltre a 10 componimenti poetici. È Direttore Artistico di “Esserdanza” scuola professionale di danza e movimento dal 2013 e di “Accademia della Corona” scuola di teatro musicale dal 2020. Tiene corsi di teatro musicale dal 2017 nelle scuole primarie di primo e secondo grado. Collabora come regista e drammaturgo con compositori affermati e di talento come Paola Magnanini, Riccardo Roncagli, Cristiano Alberghini, Joe Schittino e Alberto Cara, con il quale debutta nel 2021 al Festival Pergolesi-Spontini di Jesi con la regia dell’opera “Boccaccio delivery”. Nel 2022 inizia a collaborare con l’Accademia di Belle Arti di Bologna come regista e drammaturgo.

A partire dal 2015, per far fronte alla crescente attività in ambito sinfonico e lirico, l’Associazione Euritmus ha deciso di creare una nuova compagine orchestrale: l’Orchestra delle Alpi. Questa scelta è stata spinta dal desiderio di riunire alcuni tra i migliori musicisti del nord Italia in una stessa realtà per ridare slancio culturale ad un ampio territorio un’offerta di qualità. A tal fine sono stati coinvolti giovani musicisti con esperienze presso enti prestigiosi quali il Teatro Alla Scala di Milano, il Teatro La Fenice di Venezia, la Fondazione Arena di Verona, il Teatro Carlo Felice di Genova o l’Orchestra Toscanini, solo per citarne alcuni. L’Orchestra affronta sia il repertorio lirico, con una decina di titoli già realizzati, che quello sinfonico, grazie al quale ha sviluppato importanti collaborazioni in Trentino, Veneto, Lombardia e Liguria. A partire dal 2021 inoltre l’Orchestra delle Alpi ha sviluppato un progetto triennale di collaborazione con la Fondazione Teatro Carlo Coccia di Novara di Novara, unico teatro di tradizione della Regione Piemonte. Numerosi sono gli artisti con cui l’Orchestra ha, a vario titolo, collaborato tra cui Nicola Ulivieri, Carla Fracci e Giuseppe Sabbatini. Grazie a questo lavoro incentrato su qualità e territorio ha attirato l’interesse di Festival ed Enti Pubblici al punto da ricevere, in occasione del festival Progetto Opera, il Patrocinio della Principessa Muna al Hussein di Giordania nel 2017 e l’Alto Patrocinio della Camera dei Deputati nel 2021. Per l’autunno 2023 l’Orchestra delle Alpi è stata ingaggiata dall’Accademia Filarmonica di Verona nell’ambito delle rassegne autunnali della prestigiosa realtà scaligera dove presenterà l’integrale della Trilogia Romana di Ottorino Respighi sotto la direzione del M° Carlo Palleschi e, per fine ottobre, ha in programma una trasferta al Musikverein di Vienna.

Considero Don Pasquale un’opera straordinaria. Ammiro, tra le altre cose, l’eleganza con cui sono mescolate sia in libretto che in partitura l’ironia tipica della commedia italiana ed una struggente malinconia. La dicitura “dramma buffo”, si può dire, ben sintetizza questo caratteristico aspetto. I personaggi sono tracciati vividamente, ed esprimono in modo diretto le proprie passioni. Quest’analisi mi ha fornito suggestioni “romantiche”, tipicamente ottocentesche. Malinconia, in effetti, è il titolo di un mera-viglioso quadro di Francesco Hayez, uno dei più grandi esponenti del romanticismo italiano in ambito pittorico, al quale ho deciso di ispirare il mio allestimento. Il cuore della tela (realizzata quasi in contemporanea alla composizione di Don Pasquale) è il personaggio.
Una giovane fanciulla manifesta uno stato d’animo turbato. Ha gli occhi gonfi, le mani giunte, uno sguardo penetrante e malinconico. Ad esaltare la sua figura la scelta di uno spazio vuoto alle sue spalle, un semplice muro bianco. Allo stesso modo, al fine di sottolineare il carattere romantico dell’opera, ho pensato di ambientare Don Pasqua-le in uno spazio neutro, nudo, isolando la vicenda umana al centro della scena. Lo svi-luppo diretto e immediato della trama deve dunque essere accompagnato da un lavoro di profonda analisi emotiva dei personaggi, al fine di restituire allo spettatore ciò che la partitura suggerisce. La tela di Hayez, inoltre, dà un ulteriore spunto che la mia regia vuole sottolineare. In primo piano, sulla sinistra, vediamo uno splendido va-so di fiori, composto in modo particolare: osservandolo da sinistra a destra e dall’altro verso il basso, si vedono dapprima fiori nuovi, freschi, ricchi di colore e di vita. Man mano che lo sguardo si sposta verso destra e verso il basso, però, i fiori appassiscono fino a cadere e morire sul freddo marmo in primo piano che sorregge il vaso. Quest’immagine fortemente simbolica appare perfetta per descrivere i personaggi di Don Pasquale. Il vaso come metafora della vita, contiene allo stesso tempo uomini giovani e vecchi, personaggi pieni di vita ed altri ormai sul viale del tramonto. Questo forte contrasto è molto evidente sia dal punto di vista scenico che musicale. Don Pa-squale, infatti, pare appassire man mano che l’opera si sviluppa, scontrandosi con una generazione che corre ad una diversa velocità, che si esprime in modo diverso, che non sarà mai in grado di conquistare. È proprio come se vedessimo quel fiore appassito staccarsi e cadere sul marmo quando Norina in preda all’ira rifila al suo an-ziano marito un doloroso schiaffo. Quella pesante umiliazione, accompagnata in ma-niera straordinaria dall’orchestra, è come se “spaccasse” il personaggio che da quel momento si rende conto della propria caducità. Lo stesso lieto fine, infatti, contempla un fondo di amarezza che ci spinge a provare compassione nei confronti di quest’uomo costretto ad arrendersi allo svanire di tutti i propri sogni e delle proprie aspirazioni. Se Malinconia ha ispirato la scena, infine, è necessario che nei costumi sia presente la Commedia. Al fine di realizzare la stessa ideale commistione presente nell’opera, infatti, ho pensato in sintonia con la costumista Silvia Lumes di ispirare dal punto di vista visivo i personaggi dell’opera alle maschere della commedia dell’arte da cui sono derivati. Don Pasquale sarà dunque nel costume ispirato a Pantalone, No-rina a Colombina, Malatesta a Scapino, Ernesto a Pierrot. ll tema della maschera è svi-luppato ampiamente attraverso la recitazione dei figuranti, personaggi con funzione narrativa che avranno il compito, mediante la regia, di "raccontare" la storia movi-mentando la scena.

“Il segreto di una buona vecchiaia non è altro che un patto onesto con la solitudine" - Marquez
Come anticipato nelle note di regia l'allestimento è ispirato a Malinconia di Francesco Hayez e più in generale alle opere del periodo romantico. La vicenda umana è esal-tata dalla presenza di una scena neutra, nuda.
L'idea dunque è quella di realizzare spazi di origine concettuale, emotiva, non forte-mente caratterizzati o storicizzati. Uno spazio bianco sul quale costruire i diversi am-bienti mediante l'uso di pochi elementi evocativi, a fare da contraltare a personaggi vividi sia dal punto di vista drammaturgico che visivo. L'opera prevede due cambi di scena a vista durante il primo ed il terzo atto, che verranno eseguiti attraverso la regia dei figuranti, personaggi con funzione narrativa.

I costumi sono nati come una rielaborazione delle tradizionali maschere della commedia dell’arte in quanto ogni personaggio dell’opera racchiude le principali caratteristiche di alcune di esse. Le linee rievocano gli anni intorno al 1830, contaminate per rimanere in sintonia con le suggestioni romantiche della regia. I colori primari, invece, creano un gioco di contrasti e fantasie divertenti all’interno di una scenografia totalmente bianca.
Prendendo ispirazione dai lavori di De Chirico e Luzzati sono stati pensati tessuti prevalentemente opachi decorati con pittura. L’intenzione è quella di dare carattere ad ogni personaggio attraverso materiali e decorazioni apparentemente poveri, ma che arricchiscono il lavoro in maniera studiata e consapevole. Le comparse sono state pensate riprendendo il bianco tinta unita della scena, come fossero parte dello spazio emotivo del protagonista che prende vita. Don Pasquale richiama subito l’immaginario di Pantalone, con prevalenza di colore nero e linee abbondanti. Ernesto è un Pierrot in giacca e pantalone più decorati rispetto alla tradizione. Il Notaro indossa una toga ampia e buffa, che è stata caricaturata per sottolineare l’ulteriore travestimento del personaggio. Dottor Malatesta ricorda Scapino, giocando sulla prevalenza di blu con decorazioni bianche e nere che richiamano quasi fedelmente la maschera tradizionale. Norina infine rappresenta Colombina. Il costume è prevalentemente rosso, ma per richiamare alla mente la famosissima maschera, è parzialmente decorato con i triangoli colorati con cui viene rappresentata soprattutto in coppia con Arlecchino.

Don Pasquale venne rappresentato con grande successo a Parigi il 3 gennaio 1843 e la storia narra che fu scritto in soli 11 giorni anche se è più probabile che in quel lasso di tempo furono scritte le linee vocali, passando molto più tempo sull'orchestrazione.
Donizetti poté godere in vita di grande successi, soprattutto grazie alle straordinarie doti compositive e ad una vena romantica difficilmente eguagliabile. Don Pasquale è sicuramente un'opera della maturità dell’autore, e una di quelle che, a quel tempo, furono accolte con maggior calore di pubblico.
Sicuramente si tratta di un'opera buffa ma con alcuni risvolti amari, una riflessione lucida sulla vecchiaia e sul contrasto generazionale con il desiderio di ringiovanire e di sposare una donna giovane con la quale avere molti figli. In poche parole, un’opera attuale.
Dal punto di vista musicale sappiamo che, dopo Lucrezia Borgia del 1833, Donizetti ottenne, non senza qualche difficoltà, una nuova disposizione dell'orchestra, quella a cui si ricorre ancor oggi con gli archi disposti a semicerchio davanti al podio. E fu una novità in quanto precedentemente gli archi stavano da un lato, mentre la restante parte dell’orchestra dall'altro.
La Sinfonia che apre l'opera presenta inizialmente un solo di violoncello, la cui melodia verrà ripresa nel Terzo Atto con la “Serenata” di Ernesto per poi passare sul frizzante motivo della cavatina di Norina. Una Sinfonia geniale che è il simbolo e il leit motiv di tutta l'opera, che rappresenta una completa maturità del compositore e che fanno di lui uno dei maggiori operisti italiani del primo Ottocento e sicuramente il maggior precursore di Verdi.
Se Donizetti era molto influenzato da Rossini, sicuramente troviamo nelle prime opere di Verdi una forte influenza donizettiana.
Anche il secondo atto si apre con un preludio musicale e precisamente con un solo della Tromba (curiosamente vi voglio svelare che sono diplomato in Tromba e quindi tengo a sottolinearvi questo momento musicale e il suo significato) In questo Preludio infatti, la Tromba introduce lo sconforto di Ernesto e la melodia così bella ma triste, cancella immediatamente la gioia del Finale del Primo Atto. In questo Preludio, la Tromba dimostra di essere uno strumento nobile e che può affrontare con grazia parti cantabili e di grande effetto. Il perché Donizetti abbia affidato alla Tromba uno spazio così importante non lo sappiamo ma sappiamo anche che la sua scrittura è sempre molto solistica soprattutto per gli strumenti a fiato.
L'Atto Terzo invece si apre con un Coro di Introduzione ed è la prima volta che vediamo il Coro durante quest'opera. Anche qui Donizetti si dimostra moderno e innovativo anche perché la consuetudine, ai suoi tempi, era quella di mettere sempre il Coro dopo la Sinfonia o Ouverture per introdurre il pubblico nell'ambiente dell'Opera.
Bellissimo anche il successivo Coro dove troviamo un tempo di Valzer (“Quel nipotino”) che era nato 20 anni prima a Vienna e che nel Don Pasquale, Donizetti lo esalta in moltissimi momenti dell'opera e nel Rondò Finale.
Una curiosità infine è il fatto che questa è la prima opera buffa dove tutti i recitativi sono accompagnati sempre e solo dall'orchestra.
Insomma Donizetti è stato un genio innovatore e la sua scrittura va considerata come il culmine della musica italiana nel suo momento di passaggio dal romanticismo del secondo Rossini al romanticismo appassionato che recherà i segni di Verdi.
Quest'opera contiene alcune tra le pagine più belle del repertorio lirico di ogni tempo e rimane una delle più rappresentate nei teatri di tutto il mondo.
Roberto Gianola